El 2016, podría decirse, se caracterizó por ser un año de golpes para el espectáculo; llevándose a figuras fundamentales del cine y la música. Mientras tanto, el séptimo arte se puso bastante más comprometido que años anteriores. A continuación, creamos una lista de las veinte películas que consideramos lo mejor de este año que se va. Mirando la selección final, la lista terminada, podemos pensar en un conjunto de películas sumamente actuales, que subvierten los géneros clásicos como Deadpool, 10 Cloverfield Lane, The Witch; películas de denuncia directa como Spotlight, La larga noche de Francisco Sanctis; títulos de grandes directores que siguen ofreciendo visiones frescas y ocurrentes: Julieta, The Hateful Eight, Hail, Caesar!; así como films experimentales, introspectivos y reflexivos como lo son Anomalisa, The Lobster, Room y películas feministas: Joy, Carol, The Danish Girl. Hermoso cóctel de ideas y obras de gran peso, el 2016 al menos nos dejó una gran lista de films inolvidables.

20. Finding Dory

Andrew Stanton / Angus MacLane

Para los creativos de Pixar debe haber sido una tarea extremadamente difícil idear una secuela para una de las mayores obras maestras del cine de animación como lo es Finding Nemo. En esta nueva ocasión la acción se enfoca en una de las protagonistas de la primer entrega, la simpática y amnésica Dory. Explotando no solo aquel potencial cómico que hacía a la primer película tan especial, esta vez el personaje es más profundo otorgándole matices interesantes y emotivos que lo hacen aún más icónico y adorable. La acción sigue en forma paralela tanto los esfuerzos sobrehumanos de Nemo y su padre para encontrar a su compañera, así como también la necesidad de Dory por encontrar a sus padres. Al igual que en su predecesora, Pixar realiza un estudio sobre lo importante del compañerismo y el sentido de pertenencia sin hacerlo de una forma tediosamente didáctica ni ofreciendo moralejas trilladas. Todo en ella huele a cine clásico y de calidad. Es tanto una digna sucesora como uno de los mejores títulos de animación de los últimos años. Federico del Val

19. Joy

David O. Russell

No podemos decir que Joy sea una película inigualable ni mucho menos, pero sí sostenemos con seguridad que la historia que cuenta es más que adecuada a los movimientos de igualdad que se han visibilizado en el último tiempo. Joy es una película motivadora, con la típica estructura hollywoodense: la protagonista sufre a más no poder (habiéndonos aclarado antes que se basa en hechos reales), el mundo la pisotea y no le sale nada bien; hasta que de a poco su vida empieza a repuntar y el espectador empieza a sentir satisfacción. Esta película, en ese sentido, cuenta una historia de justicia del destino, en la que todo se acomoda, el esfuerzo es reconocido y los buenos salen ganando. Pero no es eso lo que la incluye en esta lista, sino la carga ideológica que supone empoderar a la mujer protagonista de este modo y la maestría con que Jennifer Lawrence se hace cargo de este papel. Joy es feminismo puro. – Reseña completaJulieta Aiello

18. El ciudadano ilustre

Gastón Duprat / Mariano Cohn

La dupla de realizadores argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn (a saber: El artista, El hombre de al lado) lo hizo de nuevo. El ciudadano ilustre nos cuenta la historia de un escritor argentino radicado en España, desde donde ha logrado reconocimiento mundial. En clave “el regreso del hijo pródigo”, este escritor encarnado por Oscar Martínez regresa tras varias décadas a su pueblo natal, Salas, en la provincia de Buenos Aires, para recibir el premio a Ciudadano Ilustre. De ahí en más comienza una serie de situaciones en las que el cinismo es el protagonista principal. Este reconocimiento de insights tan típicos -y que tanto joden- de la clase media argentina ya es una marca registrada de estos realizadores. Rodrigo Piedra

17. Gilda

Lorena Muñoz

En el retrato de figuras populares se suele caer en una caricaturización que no captura los matices, enfocándose en la mirada sensacionalista que el imaginario tiene de determinados iconos. En Gilda, por suerte esto no ocurre. El film de Lorena Muñoz posee un enfoque sorprendentemente intimista con una Natalia Oreiro que sabe manejar a la perfección esa dualidad entre la estrella que se abre paso en un escenario plagado de prejuicios y machismo, y la mujer de clase media con una crisis de mediana edad debajo del mismo. No Me Arrepiento de Este Amor es una biopic a la altura de la figura que quiere retratar con un apartado técnico refinado, actuaciones excelentes y una mirada respetuosa sobre el submundo de las bailantas. Una de las mejores películas del año sin dudas. – Reseña completaFederico del Val

16. Tangerine

Sean Baker

Una de las películas más originales y actuales estrenadas este año vendría a ser Tangerine: el film de hora y media, filmado con un iPhone 5s, que sigue el día completo de una travesti en Hollywood, buscando a la mujer con la que su novio la engaña. Tangerine es una cinta cruda y adorable, que apela al realismo no solo desde la historia sino desde la imagen que está determinada por la utilización de cámara en mano, haciendo que podamos recorrer la ciudad, los bares y departamentos junto a Sin-Dee (la protagonista), que sintamos el frenetismo de su búsqueda, el calor californiano exacerbado por un filtro amarillento presente durante todo el film. Sin-Dee es sin dudas un de los mejores personajes de los últimos años, tan peleadora como desprotegida, tan mujer y tan hombre, llena de una energía impulsada por la impotencia. Su ropa, su pelo, su maquillaje, su voz que recuerda a la Nana Fine, la convierten en un carácter amigable desde los primeros minutos de la película. Sin-Dee se mueve con total elegancia entre medio del sol que quema, de los suburbios y los lumpenes que transitan estos espacios a la par de ella. – Reseña completaJulieta Aiello

15. La larga noche de Francisco Sanctis

Andrea Testa / Francisco Márquez

En torno a una de las dictaduras militares más sádicas y repudiables de la historia latinoamericana se ha escrito, leído y filmado mucho. Si bien algunos de esos relatos resultan exacerbados o algo recurrentes, no es el caso de la co-dirección mixta de los bonaerenses Testa y Márquez que -impulsados por la novela homónima de Humberto Costantini- llevan adelante una película calibrada en base a las acciones precisas de un protagonista ordinario y temeroso y de cómo su sentido de lo correcto puede –o no- salvar la vida de dos militantes perseguidos por el totalitarismo de la época. La puesta de cámara resulta esencial; si bien la novela escrita está narrada por el propio Francisco, en primera persona, traducir esta experiencia a la pantalla requiere necesariamente de generar climas de tensión a partir de imágenes poderosas que sugieren la intranquilidad y el suspenso que yace en las profundidades del papel encarnado sabiamente por el marplatense Diego Velázquez. La tranquilidad de la noche se siembra de sospechas a la vuelta de la esquina, de un motor rugiendo a lo lejos, como si de repente nos transportáramos a un clásico policial negro. La ciudad se vuelve un entorno amenazante, al mismo tiempo que la rutina del protagonista se quiebra como un objeto frágil ante la posibilidad de poder alertar a sus compañeros y salvarles el pellejo. Transpolar la voluntad de Sanctis de palabras a acciones es muchísimo más complicado de lo que parece, por lo que la construcción de escena a escena de los directores da como resultado una expresión profunda y solemne del personaje por sobre la frialdad de su simple destino. Melina Storani

14. Deadpool

Tim Miller

Las películas de superhéroes ya son, a esta altura, un género en sí mismo y Marvel es el indiscutido rey. Dentro de todo lo que estrenó este año la editorial (Doctor Strange, Civil War, etc), ninguna adaptación funciona tan bien como en Deadpool. Esta cinta rompió récords pero lo más importante es que cambió el lenguaje de las películas del género, animándose permanentemente a romper la cuarta pared. El gran acierto del Universo Cinematográfico de Marvel del año, con un Ryan Reynolds que nació para ser este anti-héroe tan políticamente incorrecto. – Reseña completaRodrigo Piedra

13. Everybody Wants Some!!

Richard Linklater

Con una flamante banda sonora que abarca desde Blondie hasta Van Halen y The Cars, Richard Linklater deja atrás el drama Boyhood para dirigir Everybody Wants Some!!, una comedia situada en la vorágine de los ’80 y en derredor de un grupo de jóvenes beisbolistas que deben atravesar la adolescencia para dar paso a la adultez. Hay camisas con estampas, pantalones cortos de colores brillantes y fiestas universitarias en todas las escenas, después de todo, se percibe a Everybody… como la “secuela espiritual” de Dazed And Confused, ambientada diez años antes en un grupo de secundaria. Un montaje frenético que no escapa con miedo de algunos lugares comunes porque se los despoja de moralidad explícita, sostenido por un grupo de actores que no resalta por su individualismo sino por la dinámica colectiva que se plasma de escena a escena, exponiendo un guión un tanto romántico y un tanto esclarecedor. Melina Storani

12. Elle

Paul Verhoeven

El regreso de Paul Verhoeven, luego de 10 años sin estrenar un largometraje, fue en grande. Comenzó con su estreno en la Sección Oficial de Cannes, donde la crítica fue unánime en celebrar la vuelta de este director, dueño de algunos de los mejores blockbusters dirigidos en la década de los ’80 y principios de los ’90, y finaliza el año, nominada como mejor película extranjera en los Globos de Oro, como gran favorita (junto a Neruda, de Larraín). La historia de por sí toca un tema sumamente sensible: el de la violación de una mujer, nada más comenzar el film y una venganza muy sui generis. En otras manos, una idea así de seguro sería un desastre, o un gran drama, pero con Verhoeven las cosas son distintas, y la elección de la estupenda Isabelle Huppert no hace más que confirmar que sería muy difícil ver un resultado igual con otros encargados de llevarla a cabo. Una película llena de suspense, ironía y humor negro, elementos que se ven muy poco hoy, en una industria que no asume riesgos ni escapa de moldes estética y políticamente correctos. – Reseña completaAlejandro González

11. The Witch

Robert Eggers

The Witch es presentada desde su tagline como una “leyenda de New England”. La ópera prima del director y guionista Robert Eggers se bifurca en dos relatos paralelos: por un lado la disolución de una familia de esa región al noreste de Estados Unidos en 1630 y por el otro una tremenda película de terror que incluye el demonio poseyendo seres. Además de una ambientación precisa, el mayor impacto lo provoca el aislamiento, el minimalismo y sobre todo, el guión que este tipo de “leyendas” propone a base de oscuros elementos religiosos relacionados a la superstición.

10. The Danish Girl

Tom Hooper

El director y el director de fotografía de El discurso del rey y la adaptación de Les miserables retratan el drama de Lilly Elbe, la primera transexual operada para cambiar de sexo. Eddie Redmayne –un favorito que desde La teoría del todo encarna personajes extravagantes– y Alicia Vikander –el rostro perfecto detrás de Ava en Ex Machina– comienzan como un matrimonio de pintores de postguerra, Einar y Gerda Wegener, que por fruto de una inocente osadía –él reemplaza a una modelo femenina posando para la obra de su esposa- plantea con climas lo suficientemente intimistas una mirada sobre el proceso que Einar experimenta al sentirse mujer por primera vez. Los dedos del protagonista recorren con las yemas la textura de un vestido, la suavidad de un maquillaje, el primer beso de un varón. Un pantallazo rápido pero cuidadosamente tratado sobre la búsqueda de la identidad sexual y la libertad de expresión, aun cuando la emotividad se pueda percibir un tanto forzada. Los predominantes planos cerrados intentan acentuar una y otra vez la angustia del protagonista, así como a su vez concentran el relato en “nimiedades” para esquivarle a la profundidad de los acontecimientos de la historia real. Melina Storani – Reseña completa

09. Carol

Todd Haynes

Repasando su historia, el cine tiene una forma muy particular de retratar las historias de amor homosexuales. Usualmente se desarrollan de una forma excesivamente melodramática para terminar casi siempre de forma trágica pasando por lugares oscuros adheridos a ciertos estereotipos propios de la visión heteronormativa de Hollywood. Carol es tan hermosa y tan excelente justamente por lo contrario. El cineasta Todd Haynes utiliza los atributos estéticos del melodrama propio de Douglas Sirk, pero lo subvierte para contarnos la historia de amor entre dos mujeres en la década de los ’50 de forma sumamente sobria, construyendo la idea del amor a través de pequeños gestos, miradas, contactos corporales casi accidentales y sutiles. Carol no solo es una historia de amor homosexual, sino también es un retrato de la mujer en un ambiente opresivo, asfixiada por las convenciones sociales y todo aquello que esperan las buenas costumbres de una buena madre. Si existe el cine queer, probablemente Carol sea la mejor película en su género en años. Federico del Val

08. Hail, Caesar!

Ethan Coen / Joel Coen

El más reciente film de los hermanos Coen es una comedia súper acida e irónica, repleta de estrellas y con una estética única, solo como ellos saben hacerlo. Una de las películas más ocurrentes estrenadas este 2016, Hail, Caesar! se mete en los estudios de Hollywood en plena crisis de los años ’50 para mostrarnos los entretelones de los hacedores de esta industria que se dedica reproducir fantasías. La película cuenta con la participación de actores fetiche de los Coen como Frances McDorman, George Clooney, Tilda Swinton, junto a otros de la talla (Scarlett Johanson, Ralph Fiennes, Josh Brolin). Con una dirección de actores maravillosa y un guión sarcástico, Hail, Caesar! es una excelente sátira, una parodia amigable y una obra repleta de guiños al imaginario colectivo creado a partir de la máquina de hacer sueños. Julieta Aiello – Reseña completa

07. Anomalisa

Duke Johnson / Charlie Kaufman

El salto del guión a la dirección ha sido un ejercicio costoso para Charlie Kauffman, quien demoró casi 10 años en estrenar su segundo film, apelando al crowfounding para lograr financiar esta película de animación, y que escribió junto al creador de la serie Community. Anomalisa retrata el viaje de un motivador al congreso de una empresa, en donde, solo y alejado de su familia, conoce casualmente a una chica que simboliza una válvula de escape a su rutina. Kauffman, como siempre, se transforma en un canalizador original de las tragedias mínimas del burgués americano y que en esta historia, toca teclas muy altas, más allá de la sensiblería barata. Lamentablemente, fue apartada en los Oscars de competir de igual a igual con las demás, al relegarla al papel de nominada a mejor cinta de animación, cuando sus personajes son los más llenos de humanidad que nos haya entregado el séptimo arte en muchos años. – Alejandro González – Reseña completa

06. 10 Cloverfield Lane

Dan Trachtenberg

Durante el año pasado se anunciaba una continuación de Cloverfield (2010), un film armado con un presupuesto apretado, con actores desconocidos, y dirigida por un director novato: Matt Reeves, que fue la gran revelación de aquel año, en donde nos contaba la historia de un grupo de jóvenes en medio de un apocalíptico ataque por parte de alienígenas a Nueva York, con descabezamiento de la Estatua Libertad incluido. Al transformarse en un gran éxito, e intuyendo la avidez de los productores hollywoodenses, se daba por descontada una secuela. Sin embargo, los productores (dentro de los cuales se encontraba J.J. Abrams) apostaron por una suerte de franquicia, en donde solo se repetía la idea central de la invasión extraterrestre. Lo sorprendente del caso, es que los guionistas (donde brilla Damien Chazelle, director de La La Land y Whiplash) dirigieron el argumento a un thriller puro y duro durante prácticamente la totalidad del metraje, transformando a los invasores en una mera anécdota dentro de la historia. Sumando eso, a un buena elección de actores, donde se mezclan desconocidos como la protagonista Mary Elizabeth Winsted, con otros consagrados como John Goodman (quien se roba la atención del espectador) dan como resultado una gran película de suspenso, con un final que a estas alturas no podríamos tildar de sorprendente, pero sí que entusiasmará a aquel que no sabe de qué se trataba su predecesora. En la línea de enclaustrar y sofocar al espectador en espacios reducidos con una historia asfixiante, como ocurre con otros estrenos del año como No respires o Room, 10 Cloverfield Lane se transformó en una tremenda sorpresa, que no defraudará a aquellos que aún no la han visto, intimidados o prejuiciados por un film que promete aliens y regala una directa, corta y entretenida experiencia de suspense. Alejandro González

05. Spotlight

Tom McCarthy

Hacía mucho que los Oscar no dejaban una ganadora a Mejor película que contente a buena parte del público: Spotlight, la monumental cinta de Tom McCarthy se llevó ese premio, y otros, por justas razones. En sus dos horas, Spotlight nos muestra la historia verídica del grupo de periodistas detrás del periódico Boston Globe que sacó a la luz la red de abusos infantiles a cargo de sacerdotes, no solo en su ciudad sino en el mundo, y que les valió el premio Pulitzer de 2003. Con su elenco (Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery y Brian d’Arcy James, cada uno exacto para su papel), un sólido guión y la clara destreza técnica, la película alcanza la misma carga de responsabilidad de ese artículo: una explícita denuncia a un sistema vulnerado y oscuro que, más de diez años después, no demuestra signo de cura. Rodrigo Piedra

04. Room

Lenny Abrahamson

Una película que camina sobre matices, prácticamente dividida en dos en relación a la historia. Una primera mitad atractiva, bizarra, confusa, que atrapa la atención del espectador de manera inmediata, aunque los protagonistas se encuentren siempre en un solo espacio físico. Y una segunda mitad que devela, con gran pulso, todos los misterios. Fue uno de los grandes estrenos de principios de año, y sin duda, fue el lanzamiento al estrellato de una contenida Brie Larson, pero por encima de eso, brilla por la descollante actuación del pequeño Jacob Tremblay, por lejos, lo mejor del film. Una pequeña producción canadiense-irlandesa (nada más lejos de Hollywood en el mercado anglosajón) que apostó alto y que en el suma y resta, ganó. Alejandro González – Reseña completa

03. The Lobster

Yorgos Lanthimos

Luego de la inyección de originalidad que significó el film griego Canino para el cine independiente, su director Yorgos Lanthimos realiza un salto al cine internacional con la confianza de un veterano en The Lobster. La película se desarrolla con una originalidad pocas veces vista en los últimos años y un apartado técnico que ya empieza a establecer ciertos matices específicos en su personalidad como director. Si en Canino Lanthimos nos escupía en la cara sus críticas a la concepción clásica de la familia burguesa, en esta ocasión utiliza a actores mainstream en un contexto sumamente extraño para hablarnos de la soledad, las ideas preconcebidas sobre el amor y la falsa idea de plenitud solo cuando estamos en compañía de otros seres humanos. The Lobster cala profundo con un humor ácido e irreverente y adhiere una razón más para pensar en Lanthimos como unos de los realizadores a los cuales estar atento en los años venideros. – Federico del Val – Reseña completa

02. Julieta

Pedro Almodóvar

En el retorno a su especialidad de universos femeninos, Almodóvar dirige su nuevo drama introspectivo titulado Julieta, encarnada en dos etapas temporales distintas por Emma Suárez y Adriana Ugarte. Una juventud atravesada por el dolor y la soledad temprana lleva a Julieta a distanciarse de su hija Antía, fruto de un romance tan idóneo como fatalmente breve con Xoan, un joven pesquero que conoce azarosamente a bordo de un tren. Afortunadamente, Rossy De Palma se suma al elenco novedoso de Almodóvar para interpretar a una punzante ama de llaves, así como Darío Grandinetti personificando a la actual pareja de Julieta que -a punto de mudarse con él a Portugal- arroja todo por la borda para mudarse a su departamento viejo –a su vida vieja- y escribirle una larga y sentida carta a Antía, esperanzada de que quizás, algún día, vaya a buscarla a Madrid. La trama de Julieta está basada en tres relatos breves de la canadiense Alice Ann Munro –”Destino“, “Pronto” y “Silencio”- ganadora del Premio Nobel de Literatura, y redescubre y desentrelaza las emociones que atraviesa una joven tras enviudar y de cómo los límites entre madre e hija se disipan y se tergiversan para consolidar a Antía como la mujer adulta de la relación. Con delicadeza y sobriedad, Almodóvar se apropia de esas historias para una vez más develar la maquinaria humana detrás de los grandes sucesos de la vida. Además, el desarrollo de Julieta está delicadamente acompañado por obras de artes, libros de culto y los estilos referentes a las épocas que atraviesa el personaje, desde los años ’70 hasta la actualidad. Otro hito: no hay lágrimas, la fuerza del sufrimiento viene cargada por esas pequeñas expresiones de contención del llanto en los rostros de los protagonistas. – Melina Storani – Reseña completa

01. The Hateful Eight

Quentin Tarantino

No solo una de las mejores películas del año, sino tal vez de la década. La octava producción de Quentin Tarantino como director, representa una cinta madura y ante todo lograda: contiene los guiños que han caracterizado al director durante su carrera como lo son la crudeza de imágenes, situaciones de violencia tragicómica y un agregado histórico (como vienen siendo sus últimos trabajos). The Hateful Eight contiene diálogos tan extensos como atrapantes, trabajando sobre la base del encierro de ocho desconocidos (o no tanto) frente a la hostilidad exterior que no los deja salir. El logradísimo juego de apariencias gracias a un elenco de lujo, con algunas figuras clásicas de Tarantino como Samuel L. Jackson o Tim Roth. The Hateful Eight es una cinta de gran valor artístico, que contiene un vestuario admirable, que nos deleita con la clásica musicalización a cargo de Ennio Morricone para entregarnos una historia intrincada y perfectamente resuelta; uno de los grandes triunfos de Quentin y un film más que singular dentro del mercado mundial. – Julieta Aiello – Reseña completa